묘한 매력의 시작: 데카당스(décadentisme), 퇴폐주의란 무엇인가?

 

19세기말, 파리의 밤거리를 거닐다 보면 저마다 번뜩이는 도시의 화려함 뒤에 잠재된 묘한 공기가 감지되곤 했다. 제2제정 말기와 제3공화국 초기에 접어든 프랑스는 정치적 혼란과 사회적 불안정 속에서도 문화와 예술이 폭발적으로 꽃 피우던 시기였다. 황제의 몰락과 공화정의 수립, 노동계급과 부르주아 계층 간의 갈등, 그리고 산업화가 몰고 온 급격한 변화까지, 사람들은 혼돈과 번영이 공존하는 일상에서 어떤 ‘새로운 감각’을 갈망했다. 그 갈망이 아주 미묘하게, 때로는 대담하게 드러난 형태가 바로 ‘퇴폐주의(décadentisme)’였다.

 

 

 

19세기 댄디즘과 퇴폐주의

 

 

 

우리가 흔히 ‘퇴폐’라고 하면, 도덕적 타락이나 몰락을 떠올리기 쉽다. 그래서 퇴폐주의라는 이름 자체에 먼저 편견이 붙기 마련이다. 마치 삶을 허무와 방탕 속에서 낭비하는 움직임처럼 보이기도 한다. 하지만 19세기 프랑스의 퇴폐주의는 단순히 ‘타락’을 옹호하는 것이 아니었다. 오히려 기존의 질서와 관습, 보수적 미학에서 벗어나 극도로 예민해진 감각으로 아름다움과 쾌락을 탐구하려는 시도였다고 볼 수 있다. ‘퇴폐’라 불릴 만큼 기괴하고 비정상적인 매력에 끌렸지만, 그 과정에서 오히려 새로운 예술적 경지로 도달하려 했다고 평가할 수 있다. 말하자면 퇴폐주의자들은 ‘정상’ 혹은 ‘순수’로 포장된 관습을 뛰어넘어, 자기 파괴마저도 예술로 포섭해 버리는 과감한 태도를 보였다. 이러한 문학적 움직임은 당시 사회가 경험하던 문화적·정신적 대혼란과 맞물려 더욱 강렬한 빛을 발하게 된 것으로 해석되고 있다.

 

 

살로메, 단막의 비극, 오스카 와일드의 프랑스어 번역작에 포함된 일러스트,. 오브리 비어즐리(Aubrey Beardsley)의 그림, 출처: 프랑스 국립 도서관

 

왜 ‘퇴폐’에 빠졌을까?

 

나폴레옹 3세가 이끌던 제2제정의 시대는 겉보기엔 화려했지만, 그 속은 부정부패와 정치적 갈등이 얽혀 있었다. 뒤이은 제3공화국 초기에 이르러서는 권력의 공백과 사회 제도의 불안정이 겹치면서, 프랑스 전역이 일종의 정체성 혼란을 겪게 되었다. 이렇게 흐릿해진 미래 앞에서 사람들은 기존의 질서와 도덕 기준이 과연 유효한지 의심하기 시작했다. 

산업화가 본격화되면서 도시가 빠르게 팽창하고, 부르주아적 가치관이 급부상했다. 하지만 새롭게 떠오른 풍요 뒤에는 빈부격차와 노동 착취, 정치 불신 같은 문제들이 숨어 있었다. 이런 분위기는 많은 이들에게 허무감과 반항심을 동시에 안겨주었다. 이러한 시대적 배경은 눈앞의 무의미함을 잊기 위해, 혹은 기존 제도에 반발하기 위해 자극적이고 도발적인 행위를 갈구하는 방향으로 흘러갔다. 예술가들은 특히 강렬한 감정을 담아내려 했고, 이때 현실도피와 관능적 쾌락이 자연스럽게 소재로 부각되었다.

 

 

 

낭만주의 풍 작품

 

 

한편, 바로 직전 시대의 예술적 사조였던 낭만주의는 ‘개인의 감정과 자연’에 대한 새로운 시각을 열어주긴 했지만, 끝내는 일정한 한계에 부딪히게 되었다. 너무 이상화된 자연과 심미적 감수성만으로는 사회적·내면적 불안을 충분히 표현하지 못한다고 여겨지게 되었기 때문이다. 그래서 일부 작가들은 오히려 타락과 허무로 보이는 영역으로 발을 디디며, 한층 깊고 음울한 아름다움을 탐색하기 시작했다. 이것이 바로 퇴폐주의가 태동한 결정적 순간이었다. 기존 가치관을 부정하고, 이전 세대가 외면했던 ‘감각의 끝’을 파고드는 새로운 미학, 이것이 19세기말 프랑스에서 활짝 피어난 퇴폐주의의 출발점이 되었다.

 

 

 

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Jean Lorrain의 소설 Monsieur de Phocas  표지

 

 

황홀한 파멸을 써 내려간 퇴폐주의 문학의 대표 작가들

 

퇴폐주의가 가장 극적으로 펼쳐진 무대는 단연 문학이었다. 단순히 “타락”을 미화하는 것이 아니라, 기존에 금기시되던 감정과 욕망을 과감히 표현하면서 삶의 심연을 파고들었던 것이다. 이들은 파멸과 허무, 고독과 관능을 소재로 삼아, 독자들에게 전에 없던 강렬한 충격과 신비로운 카타르시스를 안겨주었다.

가장 잘 알려진 작가는 샤를 보들레르(Charles Baudelaire)이다. 그는 시집 『악의 꽃』을 통해 당시로서는 도무지 시적 소재가 될 수 없을 것 같은 ‘어두운 욕망’과 ‘금기’를 아름답게 형상화했다. 어떤 이는 이를 “문학적 스캔들”이라 불렀지만, 보들레르는 금기에 매몰되는 것이 아니라 그 속에서 오히려 삶의 뿌리를 찾으려 했다. 덕분에 퇴폐주의 문학에 불멸의 이정표를 세우게 되었다.  

이후 폴 베를렌(Paul Verlaine)과 아르튀르 랭보(Arthur Rimbaud)가 이어받은 시세계 역시 눈부셨다. 두 사람은 서로에게 강렬한 예술적 영감을 주고받으며, 방탕과 혁신이 뒤엉킨 ‘새로운 언어’를 모색했다. 그리고 마침내, 기존의 시 형식을 파괴해 버리고 예술과 현실의 경계를 무너뜨리는 전복적 실험에 착수하게 되었다.

 

 

 

요리스-카를 위스망스

 

 

퇴폐주의가 결정적 정점을 찍은 작품으로는 요리스-카를 위스망스(Joris-Karl Huysmans)의 소설 『거꾸로(À Rebours)』이다. 이 소설은 은둔자적 삶을 선택한 주인공을 중심으로, 지나치게 섬세하고 극도로 왜곡된 감각 세계를 펼쳐 보인다. 주인공의 취향은 예술품, 향수, 식물 등에서 파격적이고 병적인 아름다움을 추구하며, 독자들은 자연스럽게 ‘퇴폐’가 가진 매혹에 빠져들게 된다.

이처럼 보들레르, 베를렌, 랭보, 그리고 위스망스 등은 모두 예술이란 결국 금기와 한계를 넘어서는 행위임을 몸소 보여주었다. 이들이 그려낸 ‘황홀한 파멸’은 사회적 기준으로 보면 분명 타락처럼 보였지만, 바로 그 이면에서 삶의 본질과 예술적 열정을 치열하게 탐구하고 있었다.

 

 

 

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퇴폐주의에서 이야기하는 아름다움이란 무엇인가?

 

퇴폐주의 작가들이 그려낸 세계는 어둠과 황홀, 파괴와 관능이 뒤얽힌 묘한 풍경이었다. 언뜻 보기에 “아름다움”과는 거리가 멀어 보이지만, 이들은 오히려 전통적인 미의 기준을 거부함으로써 새로운 지점을 발견하고자 했다. 허무와 고독, 관능과 병적 집착이 결합된 파괴적 에너지가 그 자체로 미적 체험을 선사한다고 본 것이다.

 

 

 

 

 

 

가장 두드러지는 특징 중 하나는 허무주의와 관능의 결합이라고 말할 수 있다. 기존 낭만주의가 이상화하던 자연과 순수의 이미지는 이들에게 그저 식상하고 공허한 것으로 보았다. 대신 삶이 가진 어두운 측면, 곧 죽음이나 죄의식, 애욕과 같은 그늘진 감정에 시선을 돌리게 되었다. 이들은 “어둠”과 “파멸”을 그저 두려워하거나 부정하기보다는, 그 안에서 오히려 현실을 초월하는 황홀감을 발견했다. 감각의 끝까지 몰고 가면 결국 모든 것이 허무해진다는 사실조차, 이들에게는 새로운 아름다움의 근원으로 여겨졌다.

이와 함께, 퇴폐주의자들은 이른바 ‘아름다운 병적 상태’를 극도로 탐닉하는 모습을 보인다. 사회적 규범 안에서는 꺼려지거나 ‘잘못된’ 것으로 간주되던 욕망, 도착(倒錯), 기이한 감각 등이 예술에서 새롭게 환영받는 소재가 된 것이다. 예민하게 곤두선 감정은 작품 속에서 병적인 매력을 발산하며, 독자들에게 섬뜩하면서도 빠져나오기 어려운 유혹을 던졌다. 그 결과, 전통적인 ‘건강함’과는 거리가 먼 극단의 미학이 탄생했고, 오히려 그 파괴와 왜곡 속에서 한층 더 깊은 미의식을 확보하게 되었다.

 

 

 

상징주의 작품, 바다의 어린 소녀들, by 피에르 퓌비 드 샤반느, 파리, 오르세 미술관, 1879년

 

 

퇴폐주의가 더욱 풍성한 의미를 갖게 된 데에는 상징주의(Symbolisme)와의 연계도 빼놓을 수 없다. 보들레르를 시작으로 베를렌, 랭보, 말라르메(Stephane Mallarmé) 등으로 이어지는 상징주의 시인들은 직설적인 표현보다 은유와 상징으로 감정과 사상의 깊이를 표현했다. 퇴폐주의자들 역시 상징과 이미지가 지닌 힘을 적극 활용해, 현실의 편견이나 도덕적 규범을 뛰어넘는 시적·미학적 세계를 구축했습니다. 추하고 병적인 것으로 여겨지던 소재들도 독특한 상징과 시어를 통해 오히려 신비롭고 매혹적인 빛을 발하게 되었다. 결국 이 모든 요소들은 “아름다움이란 무엇인가?”라는 근원적 질문을 새롭게 던지며, 예술가들이라면 누구나 고민해야 할 주제에 신선하고 파격적인 가능성을 열어주었다.

 

 

 

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퇴폐주의가 우리에게 남긴 것

 

퇴폐주의는 문학과 예술의 영역에만 머무르지 않았다. 그들의 ‘황홀한 파멸’에 대한 열망과 미적 탐구는 당대의 라이프스타일과 도시 문화 전반에 적지 않은 파장을 남겼다. 화려하면서도 이질적인 취향, 균형보다는 일탈을 추구하는 감각은 곳곳에서 발견되었고, 현대까지도 그 흔적이 이어지고 있다.

 

 

 

 

 

 

 화려함과 기괴함이 공존하는 퇴폐주의적 감각은 패션과 실내 장식에도 자연스레 스며들었다. 이국적이고 호화로운 재질, 과장된 장식, 과감한 색채 조합 등 기존의 ‘정상적 취향’을 벗어난 디자인이 주목받게 되었다. 실내 공간 역시 좀 더 폐쇄적이고 관능적인 분위기를 만들기 위해 벽지와 가구, 조명에 이르는 모든 요소가 고도로 장식되었다. 때로는 동양, 특히 일본의 물건들이나 흔히 사용되지 않던 금속과 보석 등을 들여와 “비정상적인 아름다움”을 만들어내기도 했다. 이러한 스타일은 현대 하이패션과 인테리어 트렌드에까지 영향을 끼치며, 지금도 ‘디스토피아적 우아함’이나 ‘고딕 로맨스’ 등의 형태로 변주되고 있다.

또한, 퇴폐주의는 특히 “밤 문화”와 긴밀하게 연계되어 발전했다. 파리의 몽마르트르 같은 곳에서는 화려한 살롱과 카페, 카바레 등이 이어지면서, 예술가들이 불규칙한 삶을 만끽할 수 있는 공간이 형성되었다. 이들은 보수적인 ‘낮의 질서’가 아닌, 밤에만 허용되는 자유와 은밀함에 매료되었다. 화가, 시인, 음악가들이 교류하며 편견 없이 작품을 실험하고, 때로는 무절제하게 쾌락에 탐닉하기도 했다. 이렇듯 밤의 세계가 당대 예술적 에너지를 집결시키는 무대가 되었고, 퇴폐주의자들은 그 안에서 이전에는 볼 수 없던 색채와 언어를 포착해 냈다.

퇴폐주의가 꽃을 피웠던 시기는 짧고도 강렬했지만, 그 정신은 20세기를 거쳐 오늘날까지 계속 변형·재해석되어 오고 있다. 20세기의 아방가르드 예술이나 초현실주의, 심지어는 대중음악이나 패션 브랜드의 콘셉트에서도 퇴폐주의적 감성이 엿보이곤 한다. ‘파괴와 일탈, 허무에서 찾은 아름다움’이라는 테마는 펑크나 고스(goth) 문화 등 서브컬처를 비롯해, 오페라와 발레 같은 클래식 영역에도 새로운 가능성을 불어넣었다. 예술가들은 극단을 향해 치닫는 파멸적 감정 속에서 독창적인 영감을 포착했고, 그 결과 다양한 장르가 융합되는 실험들이 이어졌다.

결국 퇴폐주의는 “몰락의 추구”했다고 평가하기보다, 어떠한 규범과도 결속되지 않으려는 예술가들의 강렬한 ‘독립 선언’에 가깝게 해석된다. 자신이 소속된 시대와 사회가 제시하는 틀을 거부하고, 극단적인 감각과 욕망에서 오히려 새로운 창조적 동력을 발견하고자 했던 시도로 여겨지고 있다. 퇴폐주의의 흔적은 우리의 일상 속에서 여전히 미묘하게 빛난다. 관습과 미학의 경계를 가볍게 넘어서는 예술가들에게 강력한 영감이 되고 있다.

 

 

 

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찬양과 비판 사이

 

퇴폐주의가 한창 기세를 떨치던 19세기말 프랑스에서, 이에 대한 평가는 극단적으로 엇갈렸다. 과감한 표현과 파격적 감수성을 칭송하는 이들이 있는가 하면, 기존 사회 질서와 도덕적 기준을 중시하는 이들은 이를 ‘악취미’ 혹은 ‘사회적 병리 현상’으로까지 치부했다. 하지만 이러한 상반된 반응 속에서도, 정작 퇴폐주의자들은 자신들에게 쏟아지는 비판을 두려워하기보다는 오히려 예술적 혁신의 증거로 받아들였다.

 

 

 

보들레르의 『악의 꽃』

 

 

퇴폐주의자들이 좇은 세계는 정치·종교·가족 등 전통적 가치에 저항하는 것이었기에, 보수적 계층이나 검열 당국의 심기를 건드릴 수밖에 없었다. 특히 보들레르의 『악의 꽃』은 외설적이고 위험하다는 이유로 법정에 서기도 했고, 일부 시들은 아예 발매금지 처분을 받기도 했다. 부도덕함과 폐쇄성을 지향한다는 오해가 생기면서, 퇴폐주의자들은 “타락을 부추기는 집단”이라는 낙인이 찍히곤 했다.

퇴폐주의자들에 대한 비난이 거세질수록, 역설적이게도 그들의 작품이나 생활 방식에 대한 호기심은 더욱 높아졌다. 위스망스의 『거꾸로(À Rebours)』처럼 파격적인 취향을 노골적으로 드러낸 소설들은 독자들에게 일종의 금단의 열매처럼 비쳤고, ‘위험하다’는 인식이 오히려 매력을 배가시켰던 것이죠. 예술가들은 자신들이 추구하는 감정과 표현이 결국 새로운 미적 가치로 이어질 것이라는 믿음으로, 비난보다는 예술에 대한 야망으로 더욱 열정적으로 몰입하게 되었다.

19세기말부터 20세기에 걸쳐 나타난 상징주의, 초현실주의, 아방가르드와 같은 여러 예술 사조의 뿌리를 살펴보면, 퇴폐주의가 그 밑거름 역할을 했다는 사실이 분명하게 알 수 있다. 단순한 ‘퇴폐’가 아니라, 기존 체계가 외면하던 욕망과 불안을 예술적 상상력으로 승화시키는 능력이 높게 평가되기 시작한 것이다. 시간이 흐르면서 보수층의 비판을 넘어선 재평가도 활발해졌고, ‘악’ 혹은 ‘금기’로 낙인찍혔던 테마들이 예술의 본질을 탐구하는 중요한 코드로 인정받게 되었다. 

결과적으로 당대 사회가 이해하지 못하거나 거부했던 ‘퇴폐’는 뒤늦게라도 예술적 전복과 진보의 징후였다고 여겨지면서, 문학사와 예술사 전반에서 재조명받게 되었다. 그리고 이를 통해 예술은 개인의 내면 깊은 곳, 즉 쉽게 드러내기 힘든 본능과 두려움까지도 솔직하게 마주해야 한다는 인식을 새롭게 다지는 계기가 되었다.  

 

 

 

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현대적 시선으로 본 퇴폐주의

 

19세기말에 태동한 퇴폐주의가 벌써 한 세기를 훌쩍 넘긴 지금, 우리는 과연 그 흔적을 어디서 발견할 수 있을까? 화려한 문학적 성취나 예술사적 의미뿐 아니라, 현대 문화와 소비사회 전반에서도 그 영향력을 엿볼 수 있다는 점이 흥미롭다. 지금 이 순간에도 퇴폐주의가 던진 질문, “파괴와 금기를 넘어선 아름다움이란 무엇인가?”는 다양한 형태로 되살아나고 있다.

퇴폐주의가 추구했던 비정상적이거나 기이한 아름다움은, 오늘날 패션·예술·대중문화에서 끊임없이 재해석되고 있다. 예를 들어, 고딕 패션이나 다크 판타지 장르가 지닌 어두운 낭만성에는 19세기말 퇴폐주의의 음울하고 관능적인 정서가 깊이 스며 있다. 또한 실내 디자인이나 공연예술에서도 흔히 볼 수 있는 ‘무너짐의 미학’은, 대중들에게 일탈적인 쾌감을 선사함과 동시에 “극단으로 밀어붙인 감각은 새로운 창조의 실마리가 된다”는 퇴폐주의의 메시지를 계속해서 이어가고 있는 중이다.

탈(脫) 근대, 즉 포스트모던 시대가 열리면서 예술과 문화의 경계는 더욱 유동적이 되었다. 기존의 권위나 기준에 구애받지 않으려는 흐름이 강화되었고, 이 과정에서 퇴폐주의가 지니는 ‘파괴적 전복의 에너지’가 새삼 재조명받게 되었다. 삶의 의미가 상대화되고, 정답보다는 질문 자체가 중요시되는 문화 속에서 ‘허무’와 ‘극단’을 응시하는 퇴폐주의적 태도는 더 이상 단순한 타락이 아니라 하나의 예술적·철학적 탐구로 인정받게 되었다. 심지어 대중음악, 비디오 아트, 퍼포먼스 등에까지 그 암시적 요소가 스며들어, 새롭고 도발적인 시도들이 이어지고 있다.

퇴폐주의가 보여준 가장 큰 유산은, 부정적으로만 여겨지던 요소들 마저도 예술의 씨앗으로 삼을 수 있다는 가능성을 열어주었다는 점이다. 이들은 스스로를 파멸과 충격의 한가운데로 던짐으로써, 오히려 새로운 미학적 지평을 발견했다. 이러한 태도는 오늘날의 예술가들에게도 여전히 매혹적으로 남아 있다. 사회적·도덕적 금기에 맞서거나, 자기 파괴적 욕망을 과감히 드러내는 과정을 통해 ‘기존 질서에 균열을 일으키고, 그 틈에서 창조적 에너지를 끌어올린다’는 인식이 자리 잡았기 때문이다. 이를테면, 인디 음악씬에서 시작된 실험적 퍼포먼스나 파격적 비주얼 아트, 심지어 디스토피아적 세계관을 다루는 SF 콘텐츠까지도 이런 ‘퇴폐주의적 파괴성’이 비옥한 영감의 원천이 되고 있다. 결국 예술가들은 스스로 파멸을 마주함으로써, 새로운 시작점에 도달한다는 역설을 재확인하게 되고 있다.